L’improvisation dirigée vol.2 : Types de directions

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Chose promise, chose due.

Bon, j’avais promis des schémas dans mon précédent article, mais au final ce que j’avais prévu ne fonctionnait pas visuellement et il y avait trop d’exceptions à gérer, donc voilà tout ce que j’ai pu produire. Il s’agit d’une classification des types de directions que j’utilise personnellement. Ce n’est pas complètement exhaustif mais déjà ça donne un bon panel de directions à tester. Rentrons donc dans le détail de ce que j’ai voulu dire.

Impact instantané ou futur

Une consigne est donnée à un instant, mais soit elle impacte directement la scène, soit il s’agit d’une indication de ce qui va arriver plus tard. Techniquement on pourrait considérer que toutes les directions possibles peuvent être immédiates où à retardement. Par exemple au lieu de dire à quelqu’un « Dis : J'aime les frites » on pourrait dire « Quand ton mari rentrera sur scène tu diras J'aime les frites« . C’est d’ailleurs assez utilisé en Sound Painting où le moment d’application de la consigne fait partie de la grammaire de base. Mais bon on va ignorer le Sound Painting et dans une impro « classique » je trouve que ça rend les choses plus compliquées, alors que l’objectif est de les simplifier.

Donc par défaut je trouve plus pertinent que toutes les directions d’acteur et les changements de scène soient pris en compte instantanément. J’ai mis une catégorie spéciale « direction narrative » (faute de mieux), où je mets les annonces d’événement à venir, les indicateurs de fin de scène et les récurrences (j’y reviendrai plus tard), et là ce sont effectivement des choses sans impact immédiat. Et j’ai mis la catégorie « contexte » entre les deux, parce que le contexte qu’on apporte était présent depuis le début et il doit être pris en compte, mais sans forcément l’utiliser explicitement dans l’instant. Il change par contre souvent immédiatement la perception du public voire la signification de la scène.

Voyons donc un peu plus en détail tout ça.

Direction d’acteur

Toute consigne donnée directement à un ou plusieurs acteurs qui va l’impacter immédiatement. J’ai différencié la direction scénique du coaching, même si la différence peut être ténue.

Direction scénique

Le directeur impose quelque chose à quelqu’un. Il doit être le plus clair possible, donc bien toujours préciser QUI et exactement QUOI. Plus ce sera clair, mieux ce sera. Il est possible de laisser aussi une liberté de choix, mais il s’agit alors d’être parfaitement clair là -dessus. (par exemple : « L’un de vous deux dit je t'aime« )

  • Silence : simple et efficace, imposer un silence peut dramatiquement changer une scène. Le silence peut être général, ou de la part d’une personne. Il peut être intéressant de préciser la durée approximative. Par exemple « Au moins 10s de silence général ».
  • Parole : il y a plein de possibilité mais j’aime bien imposer des phrases. Et il est important que la phrase soit répétée immédiatement et telle qu’elle, pas besoin de paraphraser où chercher à justifier, ça viendra après. Il faut que la phrase soit suffisamment simple. Il est plus simple d’imposer une phrase au mot près qu’une phrase avec une intention. Par exemple « Dis-lui je t'aime » sera plus efficace que « Dis-lui que tu l’aimes ».
    Par contre pour des choses plus complexes on peut donner plus de liberté aussi. Par exemple « Fais un monologue sur ton village d’enfance ». Ca prendra peut-être plus de temps pour démarrer, mais c’est pas grave.
    On peut aussi imposer des consignes générales sur la parole, par exemple « parlez tous les deux en même temps » ou encore « ne parlez plus de ce vélo ».
  • Action concrète : ça peut aussi bien être une action mimée (« change ta roue de vélo »), que relationnelle (« faites-vous un câlin »), que physique (« fais des pompes »). Mais c’est une action concrète, qui est faite pour une raison qui devra sans doute être explicitée.
  • Action physique : une action qui n’a pas forcément un sens concret. Par exemple « pointe-le du doigt » ou « fais les 100 pas », ou bien « regarde au loin » ou encore « recule doucement ».
  • Mise en scène : je mets ici les consignes plus liées à l’occupation de l’espace ou ce genre de considération théâtrale. Ca peut aussi bien être « Regardez-vous toujours dans les yeux » que « restez éloignés l’un de l’autre » ou « parle-lui en lui tournant le dos ».
  • Emotion : Il s’agit ici d’imposer une réaction à un personnage. Par exemple « tu es triste qu’elle ne t’en ai pas parlé avant ». On pourrait obtenir la même chose avec « dis-lui Pourquoi tu ne m'en a pas parlé avant ?« , mais l’improvisateur aurait alors le choix de la réaction. En imposant juste l’émotion il a alors le choix de la phrase, et il peut aussi choisir de ne rien dire puisque le public sait ce qu’il ressent.

Coaching

Dans le coaching on s’adresse un peu plus au comédien qu’au personnage. J’ai mis trois choses : manière de parler, manière de bouger et simplement coaching. Pour les deux premiers ça pourrait être des consignes de parole ou de d’action physique comme décrits juste au-dessus, mais je pense ici plutôt à des consignes au comédien du type « Arrête de piétiner » ou « Parle plus fort », ou encore « Ne parlez pas en même temps ». Et pour le coaching en lui-même il s’agit plutôt d’accompagner et pousser des comédiens, en les encourageant pour par exemple faire monter une émotion ou les aider à assumer quelque chose.

C’est peut-être plus pour des improvisateurs peu expérimentés, mais même avec des vétérans ça peut être utile à l’occasion !

Changement de scène

Ce type de direction est sans doute celui que je vois le plus dans des spectacles classiques avec un MC. Et ça reste bien pratique en toute circonstance.

  • Ellipse : dans ce type de direction le plus important est de bien préciser QUAND, QUI et OÙ. On pourrait laisser libre certains éléments, mais quand des comédiens doivent rapidement réagir à une consigne il vaut toujours mieux qu’elle soit bien claire pour éviter les flottements et malentendus. Je conseille de toujours commencer par le QUAND (« le lendemain », « au même moment », « 6 mois plus tard » etc.), histoire de ne pas l’oublier. On peut s’en passer mais autant le préciser, ça ne mange pas de pain. Et plus le OÙ sera précis mieux ce sera. Et encore fois si on choisit de laisser certains éléments libres il faut toujours le clarifier. Par exemple « Une semaine plus tard, le père et quelqu’un d’autre, dans un jacuzzi », ou encore « Une semaine plus tard,  le père et sa fille, dans le lieu de votre choix ». Comme ça les comédiens se sentiront obligés de faire un choix rapidement.
  • Flashback : Si la nouvelle scène est dans le passé il faudra souvent soit revenir à la scène précédente, soit clairement faire comprendre que le changement de scène suivant sera après la scène initiale. Enfin bref, ça peut rapidement devenir le bordel, on peut en jouer, mais bon, hein.
  • Flash : On change de scène puis on revient à la scène initiale. Ca peut être un flashback, mais ça pourrait aussi être un futur possible, un rêve, un fantasme etc. On peut soit annoncer directement un flash (si les comédiens sont au clair avec ça), soit annoncer un changement de scène normal et annoncer rapidement le retour à la scène initiale.
  • Montage : Comme le flash sauf que ça enchaîne plusieurs scènes. J’en parle notamment dans cet article. Par exemple « Montage de toutes les fois où ce personnage s’est fait larguer ». Et on revient à la scène initiale. Ou alors le montage sers d’ellipse et on continuera ensuite l’histoire à un rythme normal (annoncer la fin du montage peut être pratique). Par exemple « Montage de la vie de ce couple jusqu’à leur séparation ».
  • Entrée de personnage : Là il suffit d’annoncer clairement QUI rentre. Et ce personnage rentre sur scène. Voilà.

Contexte

Dans ce cas on ne dirige plus les comédiens mais on donne une information non encore précisée dans la scène. L’important ici est d’être suffisamment précis pour que l’information puisse avoir un impact sur le déroulement de la scène ou sur la lecture que l’on en avait jusque là. Il n’est pas utile que les personnages fassent directement référence à ces éléments lorsqu’ils sont ajoutés, mais ils doivent avoir une importance (sinon ils ne seraient pas précisés, le fusil de Tchekhov, tout ça).

Personnage

  • Character Painting : il s’agit d’une technique qu’on utilise pour « habiller » un personnage. On ajoutera des détails précis et concrets. Par exemple « Ce personnage porte un pantalon de jogging » ou encore « Ce personnage porte une bague à l’annulaire gauche ». Il peut être pratique pour le directeur de venir sur scène indiquer précisément quelque chose, comme la localisation d’un tatouage.
  • Personnalité : contrairement au Character Painting on donnera ici des éléments de personnalité précis. Par exemple « Ce personnage déteste être contredit » ou encore « Ce personnage est amoureux de l’autre mais n’a jamais osé lui avouer ». Ce qui amène au poins suivant…
  • Information sur le passé : pour préciser des actions passées. Par exemple « Ce personnage n’a jamais osé avouer à l’autre qu’il était amoureux. » Oui, c’est la même chose que précédemment. Mais « Ce personnage revient de quatre ans à Auroville » c’est différent.

Lieu

  • Scene Painting : comme le Character Painting mais avec le décor. On précisera des éléments concrets présents sur scène ou visibles des personnages.  Et de même il pourra être pratique de venir sur scène pour indiquer où se trouve l’élément en question, ainsi que par exemple sa taille.
  • Information sur le passé : préciser quelque chose qui s’est déroulé là auparavant, les personnages étant ou non au courant (mais s’ils ne sont pas au courant il le découvriront sans doute). Par exemple « Cette maison est construite sur un cimetière indien ».

Univers

Là c’est assez open bar : tout peut être précisé sur l’univers, puisqu’on ne sait rien avec certitude, sauf ce qui est dit. J’en parle d’ailleurs ici, et aussi .

On peut préciser l’époque, le fait qu’on soit ou non dans notre monde, toute particularité qui ferait que ce n’est pas notre monde… Si c’est dans le futur il peut être intéressant de préciser une caractéristique de ce futur. Par exemple « Nous sommes en 2031, et les personnes sans emploi sont déportées dans des camps de travail et réinsertion ». Parce que si le directeur indique une date future c’est sans doute pour une raison précise liée à la scène, donc autant le préciser.

Direction narrative

Enfin, voici un type de direction que j’utilise assez peu, mais ça m’arrive tout de même ponctuellement : la consigne concernant ce qui va se passer plus tard dans la scène, et qui va ainsi donner une direction narrative précise, ce qui peut recentrer l’enjeu de la scène et faire monter une tension. Il ne faut juste pas que ce soit trop long, parce qu’on sait ce qui va arriver, pas la peine de le retarder trop non plus.

  • Fin de scène : on annonce quand se terminera la scène. Par exemple « La scène se terminera lorsque ce personnage dira « je t’aime » à son père » ou encore « La scène se terminera dans une minute ».
  • Evénement : on annonce quelque chose qui va arriver (à priori sous peu). Par exemple « A un moment le père de ce personnage va entrer » ou bien « Ces deux personnages vont à un moment s’avouer qu’ils sont amoureux ».
  • Récurrence : Souvent j’utilise ça si je vois quelque chose dans la scène et que je veux le voir être répété. Par exemple « A chaque fois qu’elle te pose une question tu l’esquives » ou « A chaque fois que vous entendez un bruit vous vous taisez et vous vous planquez derrière le bureaux ».

 

Mais encore ?

Il y aura un vol.3 qui paraîtra sous peu, avec des trucs que j’ai oublié, quelques astuces concrètes pour travailler et utiliser l’impro dirigée, voir ce qu’on fait de la narration et autres joyeusetés.

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